Наталья Суворова

Задолго до того, как появилась профессиональная музыка, народные песни правдиво и художественно отражали типические черты национального характера того или иного народа. Рождение песни издавна было связано с жизнью людей, их трудовой деятельностью, бытом. Песня, как рыдание или смех, отражает состояние человеческой души, поэтому они так разнообразны и многочисленны. Особенность песни — в гармоничном сочетании слов и музыки.

Очень часто к слову «песня» прибавляют определение «народная». Каждая народная песня имеет ярко выраженный национальный колорит, потому что поют народы всех наций и всех континентов по-своему. Трудно спутать русскую песню с грузинской,  узбекской,  неаполитанской  или негритянской. Как драгоценный камень передавалась песня из уст в уста от одного поколения к другому. Каждый исполнитель вносил в неё что – то своё, индивидуальное. Нередко поэтому одни и те же тексты пелись в разных селениях с разными напевами.  Существуют различные виды народных песен: трудовые, игровые, обрядовые, семейно – бытовые, хороводные,  плясовые,  лирические, эпические и многие другие.

Чаще всего песня исполняется в сопровождении музыкального инструмента. Используя народную тематику, композиторы создают новые песенные жанры, а также монументальные произведения: кантаты, оратории, оперы и оперетты. Органично вошла песня в симфоническую музыку. И таких примеров множество.

Танец — одно из древнейших проявлений народного творчества. В ритмическом или плавном движении люди стремились передать свои чувства настроения и мысли. Так появились ритуальные танцы, которые стали непременным атрибутом каждого праздника. У многих народов они сохранились и до нашего времени. Люди танцуют, иногда превращая свой танец в искусство — балет. Танцуют, участвуя в торжественных церемониях или веселясь в свободные вечера и на праздниках. У каждого народа сложились свои национальные традиции танца с характерной, присущей ему музыкой.

Французский танец куранта (courante — «бегущая», «текущая») придворного происхождения, но довольно быстрый, отличающийся сложными, затейливыми фигурами и соответствующей им музыкой.

Совсем иной танец сарабанда — медленный, величественный. Он родился в Испании и возник из торжественного траурного обряда. Это отразилось в названии (sacra banda по-испански — «святое шествие»).

Жига — старинный танец английских моряков, быстрый, веселый, непринужденный. Эти четыре танца издавна объединялись композиторами в сюиты.

Множество чудесных танцев издавна бытовало в Польше. Наиболее известными из них стали полонез, мазурка, краковяк.

Самый древний из них — полонез. В старину он назывался великим или пешим танцем. Нынешнее его название произошло от французского polonaise («польский»). Полонезом — парадным шествием открывались придворные балы. Кроме придворного существовал и крестьянский полонез, более спокойный и плавный. Излюбленным танцем была и мазурка, точнее - мазур  (от названия одной из областей Польши — Мазовии).  Народная мазурка с веселой, задорной, резко акцентированной мелодией — это парный танец, в котором нет заранее придуманных фигур.

 Третий танец — краковяк  отличается от первых двух четким размером.

 Все эти танцы представлены в творчестве Шопена, Слышим их мы и в опере Глинки «Иван Сусанин».

Танец полька принадлежит другому славянскому народу — чехам. Название его происходит от слова pulka — «половина», так как танцевали его мелкими шажками. Это живой, непринужденный танец, который танцуют парами по кругу. Самый любимый из чешских танцев, он звучит в опере Сметаны «Проданная невеста».

Интересная судьба австрийского крестьянского танца лендлера. Парный круговой танец, получивший название от австрийской области Ландль, он в начале XIX века перекочевал из сел в города Австрии и Германии. Его стали танцевать на балах, и постепенно он превратился во всем известный и всеми любимый вальс.

В «Венгерских рапсодиях» Листа, в «Венгерских танцах» Брамса звучат характерные мелодические обороты, острые, ритмические фигуры. Они сразу узнаются на слух, напоминая о венгерском народном танце чардаше. Название его происходит от слова csarda — «трактир», «корчма». Венгерские корчмы издавна служили своеобразными клубами, где собирались окрестные жители. В них или на площадке перед ними и танцевали.  Чардаш возник к началу XIX в.,  причем не в крестьянской среде, а в городе. Танец этот состоит из двух частей: медленной, патетической и подвижной, огневой пляски.

На юге Италии расположился город  Торонто. Он дал название национальному танцу тарантелле.

Очень колоритны танцы Испании. Хота — любимый танец испанских провинций Арагон, Каталония, Валенсия — отличается быстрым темпом, острым ритмом, который подчеркивается щелканьем кастаньет. Это парный танец, исполняемый под гитару или мандолину. Своеобразием хоты пленился Глинка во время своего путешествия по Испании. Его оркестровая «Арагонская хота» написана на подлинную народную тему.

Другой распространенный танец — болеро (по-испански volar — «летать») более умеренный, с ритмом, напоминающим ритм полонеза.

В России чисто инструментальная танцевальная музыка не получила столь широкого распространения: русские издавна любили петь, и все танцы — и быстрые веселые пляски, и плавные хороводы — обычно сопровождались пением. Наиболее популярная в XIX веке задорная  пляска «Барыня» даже название свое получила от припева песни «Сударыня-барыня». Среди танцев других народов известны украинский казачок, быстрая, задорная молдовеняска.

Огромную популярность приобрел кавказский танец лезгинка. Музыка лезгинки — с четким ритмом и энергичными движениями — привлекла к себе внимание многих композиторов. Бурная, полная стихийной силы и страсти лезгинка звучит в опере «Руслан и Людмила» Глинки, в балете «Гаянэ» Хачатуряна.

. Французское слово marche означает «ходьба». В музыке так называют пьесы, написанные в чётком, энергичном ритме, под который удобно маршировать. Хотя марши отличаются друг от друга, их объединяет одно: марш всегда пишется в чётном размере – на две или четыре четверти, чтобы идущие не сбивались с ноги. Но в каждом правиле есть исключения. Послушайте песню А. Александрова на стихи В. Лебедева – Кумача «Священная война». Она написана в трёхдольном размере, и всё же это настоящий марш, под который воины уходили на фронт.Марш является важным организующим, объединяющим  началом. Не случайно многие революционные песни написаны в ритме марша. Это знаменитые «Марсельеза», «Интернационал», «Варшавянка». Королём марша называли  советского композитора И.О. Дунаевского. Он написал  многие  известные марши: «Марш энтузиастов», «Марш физкультурников», «Спортивный марш».Есть несколько типов маршей: строевой, встречный, концертный, похоронный.

"Музыка – душа поэзии, проясняет и открывает ее. Она делает поэтическое слово более глубоким по смыслу и более легким по восприятию. Дух музыки в эмоциональном аспекте – творческая воля, побуждающая одаренных людей создавать состояние звучаний и оформлять их как свое мировоззрение" 
Романс в музыке — вокальное сочинение, написанное на небольшое стихотворение лирического содержания, преимущественно любовного. 
Термин «романс» возник в Испании еще в средние века и первоначально обозначал светскую песню на испанском («романском») языке. В России первыми образцами романса можно считать канты, распространенные уже в конце XVII в. А в XVIII в. стихи наиболее известных русских поэтов — А. П. Сумарокова, А. Ф. Мерзлякова, М. В. Ломоносова — сразу же подхватывались музыкантами и распевались певцами-любителями. Назывались такие произведения российскими песнями. 
Чем же отличается романс от песни? Грань между этими двумя жанрами не всегда легко провести, особенно если речь идет о ранних романсах. Но, как правило, в романсе мы слышим более тесную, детальную связь музыки и поэтического текста. Музыка передает не только общее настроение стиха, но и отдельные поэтические образы. Так, в лирическом романсе М. И. Глинки «Я помню чудное мгновенье» на стихи А. С. Пушкина слова: 
Шли годы. Бурь порыв мятежный рассеял прежние мечты... 
выделены энергичными интонациями голоса, активным движением в партии фортепьяно. Глинка подчеркнул интонационно даже такую миниатюрную, но важную деталь, как слово «слезы» в последней строке: 
И жизнь, и слезы, и любовь. Основной признак романса — более детальная связь слова и музыки — определяет собой и другие. Например, большую содержательность, образность партии фортепьяно, перерастающей из сопровождения голоса в равноправного участника ансамбля. Начало расцвета романса — первая половина XIX в. Это период, для которого вообще характерен особый интерес к лирическим жанрам, выражающим мир личных переживаний человека. 
Благодаря своей задушевности, искренности и мелодической красоте лучшие произведения Глинки и его современников распевались по всей России, а некоторые стали народными песнями: «Вдоль по улице метелица метет» А. Е. Варламова; «Однозвучно гремит колокольчик» А. Л. Гурилева. 
Иногда романс выходит за пределы лирики, приобретая драматизм и приближаясь к оперной арии. Таковы некоторые романсы П. И. Чайковского («День ли царит», «Серенада Дон Жуана»). А вокальные произведения М. П. Мусоргского трудно даже назвать романсами: это живые музыкальные портреты, передающие облик и характер конкретных персонажей («Семинарист», «Сиротка», «Озорник»). Традиции классического романса продолжаются в творчестве советских авторов: Ю. А. Шапорина, А. Н. Александрова, Д. Д. Шостаковича, Д. Б. Кабалевского, Г. В.. Свиридова, Б. Н. Лятошинского, О. В. Тактакишвили. 
 

Черты вокального романса

По своей форме, романс схож с песней; как и последняя, он пишется в коленном складе, но в нём необязательна та квадратура, та чётность тактов, которые преследуются в песне. В романсе допускаются отступления в виде так называемых расширений или вставок, переходов от одного колена к другому. Вокальная партия романса должна иметь ясное и рельефное мелодическое очертание и отличаться певучестью. Рефрен, или припев, в романсе чаще всего отсутствует. В романсе следует обращать внимание больше на передачу общего настроения текста, чем на подробную иллюстрацию его деталей. Интерес должен главным образом лежать в мелодии, а не в аккомпанементе. 
Романс пишется для пения с аккомпанементом одного инструмента, преимущественно фортепиано, и относится к разряду камерной музыки, хотя некоторые романсы аккомпанируются оркестром. 
 

Жанровые признаки романса

​

1. Содержание романса не выходит за пределы лирики. Текст посвящён некоему переживанию, обычно любовному. 

2. Романс характеризуется только одним лирическим настроением. Однако спектр эмоциональных состояний в романсе настолько велик, что каждый исполнитель и слушатель имеет возможность выбрать наиболее близкое ему. 

3. В связи с тем, что романс обычно выражает любовное переживание, он либо имеет, либо подразумевает адресата, а следовательно, изначально диалогичен в самом своём содержании. 

4. Наличие двух героев порождает одно из самых важных качеств романса — его интимность, камерность. 

5. Романс как вокально-поэтический жанр представляет собой трёхгранную структуру, в которой одинаково значимы слово (текст), музыка и речь (исполнение).

Симфония (от греч. «созвучие») — жанр симфонической инструментальной музыки многочастной канонизированной формы фундаментального мировоззренческого содержания. 
Симфония, обычно, является сочинением для оркестра, состоящее, как правило, из нескольких частей. Это один из главнейших жанров европейской музыки. В современном понимании слово «симфония» вошло в обиход сравнительно недавно, в 70-х гг. XVIII в., само же оно очень древнего происхождения. 
«Симфония» по-гречески означает «созвучие». В античные времена так называли пение хора или ансамбля в унисон, а также любое гармоническое, благозвучное сочетание тонов. В средние века слово исчезло из употребления, и новая жизнь его началась в эпоху Возрождения. Но теперь в слово «симфония» вкладывался иной смысл. В музыке Возрождения были распространены многоголосные вокальные сочинения — мадригалы, канцоны. Они обычно открывались инструментальным вступлением, которое и называлось симфонией. Когда в XVII в. возникла опера, то она также начиналась симфонией — позднее такое вступление превратилось в увертюру. 
В XVIII в. симфония постепенно отделилась от вокальной музыки и начала свое самостоятельное существование. Классический вид она обрела в 1780—1790-е гг. в творчестве великих австрийских композиторов Й. Гайдна и В. А. Моцарта. С этого времени начинается блестящий путь симфонии в европейской и мировой музыке, именно тогда она становится самым важным, центральным жанром музыкального творчества. 
Симфония классического типа состоит из четырех контрастных частей. Вместе они образуют сонатно-симфонический цикл. Циклическое строение позволяет композитору выразить самые разные чувства и настроения, создать музыкально обобщенный образ эпохи. Симфонии Моцарта, Л. Бетховена, Л. И. Чайковского, И. Брамса, Г. Малера, Д. Д. Шостаковича дают нам возможность ощутить неповторимую атмосферу времени подобно тому, как это делает роман или театральная пьеса. 
Первая часть классической симфонии — энергичная, действенная, в быстром темпе, как правило, занимает главенствующее положение в цикле. Для нее композиторы избирают одну из самых сложных форм — сонатную. Сонатная форма дает возможность сопоставить контрастные, даже конфликтные образы — героический и лирический, сумрачный и светлый, торжественный и нежный. Эти -образы затем развиваются, изменяются и в результате приобретают новый характер, новые черты. Первая часть симфонии отличается поэтому осо: бенной многоплановостью и богатством. 
Вторая часть обычно медленная. Характер ее определяется лирическими, созерцательными настроениями, в ней встречаются мелодии, близкие песне, романсу. Это передышка после бурных событий первой части. Но бывают и отступления. Например, в одной из симфоний Гайдна и в «Героической симфонии» Бетховена во второй части звучит траурный марш, скорбный и величественный. 
Третья часть в симфониях Гайдна и Моцарта — менуэт. Менуэты в классических симфониях подобны зарисовкам, картинкам с натуры. Менуэты Гайдна полны простонародного веселья, близки крестьянским танцам; у Моцарта они лиричны, порой с оттенком драматической серьезности. Бетховен заменил менуэт скерцо — музыкой стремительного, живого характера, нередко с юмористической окраской. 
Четвертая часть — финал. Как и первая, она пишется в быстром темпе, но внутренне не столь контрастна. Если смысл первой части заключается в конфликтном сопоставлении образов и драматическом развитии действия, то в финале на первый план выступает утверждение, подведение итогов. Не случайно финалы часто пишутся в форме рондо, основанной на круговом возвращении одной и той же темы, т. е. на провозглашении одной и той же музыкальной мысли. Одновременно с сонатно-симфоническим циклом сложился и оркестровый состав, для которого создавались симфонии,— симфонический оркестр. 
Вершиной в историческом развитии симфонии по праву считается творчество Бетховена. Каждая его симфония — новый, индивидуальный вариант жанра, каждая из них заключает целый мир философских идей, является итогом напряженной работы мысли композитора. 
9-я симфония Бетховена, венчающая его творческий путь, открывает новую страницу в истории жанра. В ее финальной части звучит ода «К радости» Ф. Шиллера, утверждающая идею всемирного братства человечества. Эта центральная для творчества Бетховена идея провозглашается в мощном звучании хора и оркестра. Так симфония становится вокальной. Ее унаследовали композиторы последующих поколений: вокальные симфонии писали Г. Берлиоз, Малер, А. Н. Скрябин, И. Ф. Стравинский, Шостакович. 
Поэтический текст делает содержание симфонии более конкретным, и такие сочинения относятся к программной музыке. Программной симфония может стать и в том случае, если композитор просто предпосылает ей название. Подобные произведения были еще у Гайдна, например оригинальная «Прощальная симфония», завершающаяся постепенным уходом музыкантов. В 6-й («Пасторальной») симфонии Бетховена озаглавлены все пять частей. Мы видим, что программный замысел заставил Бетховена увеличить количество частей в симфонии и отойти от классического построения цикла. Позднее композиторы еще свободнее обращаются с формой симфонии, увеличивая количество частей или, напротив, сжимая цикл до одночастности. Каждый раз это связано с идеей сочинения, с индивидуальным замыслом. 
Крупнейшие симфонисты после Бетховена — Ф. Шуберт, Брамс, А. Брукнер, А. Дворжак, Малер. 
Мировое значение имеет симфоническое наследие русских композиторов — Чайковского, А. П. Бородина, А. Г. Глазунова, Скрябина, С. В. Рахманинова. Их великие традиции получили богатое и яркое развитие в творчестве советских композиторов всех поколений — Н. Я. Мясковского, С. С. Прокофьева. А. И. Хачатуряна, Т. Н. Хренниковаа, К. А. Караева, Я. А. Иванова, Ф. М. Амирова и других мастеров. Величайшим симфонистом современности был Шостакович. Его 15 симфоний — настоящая летопись XX в. 
Вследствие сходства по строению с сонатой, сонату и симфонию объединяют под общим названием "сонатно-симфонический цикл". В классической симфонии (в том виде, в котором она представлена в творчестве венских классиков - Гайдна, Моцарта и Бетховена) обычно имеется четыре части. 1-я часть, в быстром темпе, пишется в сонатной форме; 2-я, в медленном движении, пишется в форме вариаций, рондо, рондо-сонаты, сложной трёхчастной, реже в форме сонаты; 3-я — скерцо или менуэт — в трёхчастной форме da capo с трио (то есть по схеме A-trio-A); 4-я часть, в быстром темпе — в сонатной форме, в форме рондо или рондо-сонаты. 
Программной симфонией называется та, которая связана с известным содержанием, изложенным в программе (выраженной, например, в названии или эпиграфе), например, "Пасторальная симфония" Бетховена, «Фантастическая симфония» Берлиоза и пр. Первыми ввели программу в симфонию Диттерсдорф, Розетти и Гайдн. 

Опера  -  произведение для театра, которое исполняется артистами – певцами и оркестром.  В этом музыкальном жанре слиты в единое целое поэзия и драматическое искусство, вокальная и инструментальная музыка, мимика, танцы, живопись, декорации и костюмы.

 Литературная основа оперы  - либретто. Часто основой либретто становится  какое – либо литературное или драматическое произведение. Например, опера «Каменный гость» Даргомыжского написана на полный текст «Маленькой трагедии» Пушкина. Но обычно либретто перерабатывается, так как текст должен быть сжатым и лаконичным.

         Практически каждая опера начинается увертюрой - симфоническим вступлением, которое в общих чертах знакомит слушателя с содержанием всего действия.

 Музыка в опере раскрывает сокровенные чувства героев, их характер,

рассказывает об их мыслях. В драматических спектаклях это передаётся в

монологах актёров. В опере роль монолога играет ария ( в переводе с

 итальянского – «песня»). Ариям свойственна широкая  распевность. Чтобы более

 полно показать героя, в оперу вводится несколько его арий. В опере П. И.

 Чайковского «Евгений Онегин» Ленский исполняет арию «Куда, куда вы удалились», которая  показывает его душевные переживания, волнение, неуверенность в грядущем дне. Ариозо Ленского «Я люблю вас, Ольга»  - небольшая ария свободного построения лирического характера.

 Ещё один важный компонент оперы – ансамбли. Во время одновременного

 пения нескольких солистов мы не только слышим голос каждого

 исполнителя, но и ощущаем красоту такого совместного звучания.

         Самый большой ансамбль, без которого не обходится ни одна опера, – хор.

 Важное место в опере занимает оркестр. Он не только сопровождает всю оперу,

но и является своеобразным действующим лицом, так как музыка, исполняемая

 оркестром, выявляет идею произведения, раскрывает мысли, чувства,

взаимоотношения героев, обуславливает драматическое развитие сюжета.

Важным компонентом оперы являются танцевальные сцены. В опере М.И.

 Глинки «Иван Сусанин» второе действие почти полностью построено на

танцах. Это своеобразная характеристика надменной, уверенной в своей

победе польской шляхты. Поэтому и танцуют на этом балу полонез,

краковяк, мазурку,  представленные композитором не народными, а

 рыцарскими  танцами.

Опере́тта (от итальянского operetta, дословно маленькая опера) —

 театральное представление, в котором отдельные музыкальные номера

 чередуются с диалогами без музыки. Оперетты пишутся на

 комический сюжет, музыкальные номера в них короче оперных, в целом

музыка оперетты носит лёгкий, популярный характер, однако наследует

напрямую традиции академической музыки.

Бале́т  ( от итальянского ballo — танцую) — вид сценического искусства; спектакль, содержание которого воплощается в музыкально- хореографических образах. Чаще всего в основе балета лежит определённый сюжет, драматургический замысел, либретто, но бывают и бессюжетные балеты. Основными видами танца в балете являются классический  и характерный танец. Немаловажную роль здесь играет пантомима, с помощью которой актёры передают чувства героев, их «разговор» между собой, суть происходящего. В современном балете широко используются также элементы гимнастики и акробатики. Балет требует выдержки и выносливости от любого человека, занимающегося им.

Импрессионизм (франц. impressionnisme, от impression — впечатление), направление в искусстве последней трети XIX — начале XX вв. 

Применение термина «импрессионизм» к музыке во многом условно — музыкальный импрессионизм не составляет прямой аналогии к импрессионизму в живописи и не совпадает с ним хронологически (время его расцвета — 90-е гг. XIX в. и 1-е десятилетие XX в.). 

Импрессионизм возник во Франции, когда группа художников — К. Моне, К. Писсарро, А. Сис-лей, Э. Дега, О. Ренуар и другие — выступила со своими оригинальными картинами на парижских выставках 70-х гг. Их искусство резко отличалось от приглаженных и безликих работ тогдашних живописцев-академистов: импрессионисты вышли из стен мастерских на вольный воздух, научились воспроизводить игру живых красок природы, сверкание солнечных лучей, разноцветные блики на подвижной речной глади, пестроту праздничной толпы. Живописцы применяли особую технику беглых пятен-мазков, которые вблизи казались беспорядочными, а на расстоянии рождали реальное ощущение живой игры красок, причудливых переливов света. Свежесть мгновенного впечатления сочеталась в их полотнах с тонкостью и изысканностью психологических настроений. 

Позднее, в 80—90-е гг., идеи импрессионизма и отчасти его творческие приемы нашли свое выражение и во французской музыке. Два композитора — К. Дебюсси и М. Равель — наиболее ярко представляют течение импрессионизма в музыке. В их фортепьянных и оркестровых пьесах-эскизах с особой гармонической и ладовой новизной выражены ощущения, вызванные созерцанием природы. Шум морского прибоя, плеск ручья, шелест леса, утренний щебет птиц сливаются в их произведениях с глубоко личными переживаниями музыканта-поэта, влюбленного в красоту окружающего мира. Оба они любили народную музыку — французскую, испанскую, восточную, любовались ее неповторимой красочностью. 

Главное в музыкальном импрессионизме — передача настроений, приобретающих значение символов, тонких психологических нюансов, тяготение к поэтической пейзажной программности. Ему свойственны также рафинированная фантастика, поэтизация старины, экзотика, интерес к тембровой и гармонической красочности. С основной линией импрессионизма в живописи его роднит восторженное отношение к жизни; моменты острых конфликтов, социальных противоречий в нём обходятся. 

Классическое выражение "музыкальный импрессионизм" нашёл в творчестве К. Дебюсси; черты его проявились и в музыке М. Равеля, П. Дюка, Ф. Шмитта, Ж. Ж. Роже-Дюкаса и др. французских композиторов. 

Зачинателем музыкального импрессионизма по праву считается Дебюсси, обогативший все стороны современного композиторского мастерства — мелодику, гармонию, оркестровку, форму. Его новаторские опыты отчасти навеяны выдающимися открытиями русских композиторов-реалистов, в первую очередь М. П. Мусоргского. В то же время он воспринял идеи новой французской живописи и символистской поэзии. Дебюсси написал множество фортепьянных и вокальных миниатюр, несколько пьес для камерных ансамблей, три балета, лирическую оперу «Пеллеас и Мели-занда». 

Музыкальный импрессионизм унаследовал многие особенности искусства позднего романтизма и национальных музыкальных школ XIX в. («Могучая кучка», Ф. Лист, Э. Григ и др.). В то же время чёткому рельефу контуров, сугубой материальности и перенасыщенности музыкальной палитры поздних романтиков импрессионисты противопоставили искусство сдержанных эмоций и прозрачной, скупой фактуры, беглую переменчивость образов.

Творчество композиторов-импрессионистов во многом обогатило выразительные средства музыки, особенно сферу гармонии, достигшей большой красоты и утончённости; усложнение аккордовых комплексов сочетается в ней с упрощением и архаизацией ладового мышления; в оркестровке преобладают чистые краски, капризные блики, ритмы зыбки и неуловимы. Красочность ладогармонических и тембровых средств выдвигается на первый план: усиливается выразительное значение каждого звука, аккорда, раскрываются неизвестные ранее возможности расширения ладовой сферы. Особую свежесть музыке импрессионистов придавало их частое обращение к песенно-танцевальным жанрам, к элементам музыкального языка народов Востока, Испании, ранних форм негритянского джаза. 

Одухотворенные картины природы с удивительной, почти зримой конкретностью переданы в его оркестровых пьесах: «Прелюдии к „Послеполудню фавна"», в цикле «Ноктюрны» («Облака», «Празднества» и «Сирены»), трех эскизах «Море», цикле «Иберия» (трех зарисовках природы и быта южной Испании), а также в фортепьянных миниатюрах «Остров радости», «Лунный свет», «Сады под дождем» и др. В творчестве Мориса Равеля (1875—1937) отразилась более поздняя эпоха. Рисунок его сочинений острее, резче, краски более четкие и контрастные — от трагического пафоса до язвительной иронии. Но и в его композиторской манере также встречается утонченная звукопись, сложная и пестрая игра красок, типичная для музыкального импрессионизма. В лучших фортепьянных пьесах Равеля господствует прихотливая переливчатость звуков, навеянных живой природой («Игра воды», «Печальные птицы», «Лодка среди океана»). Всю свою жизнь композитор разрабатывал мотивы любимой им Испании. Так появились «Испанская рапсодия» для оркестра, комическая опера «Испанский час», «Болеро». 

Большое внимание Равель уделял жанрам танцевальной музыки. Среди нескольких его балетов выделяется балет-сказка «Дафнис и Хлоя», созданный им в сотрудничестве с русской труппой С. П. Дягилева. Равель хорошо знал секреты музыкального юмора, с любовью писал музыку для детей. Таковы его пьесы для фортепьяно «Матушка-гусыня», превращенные в балет, или опера «Дитя и волшебство», в которой забавно выступают в качестве персонажей Часы и Кушетка, Чашка и Чайник. В последние годы жизни Равель обратился к более современным, ритмически обостренным музыкальным средствам, в частности к интонациям джаза (соната для скрипки и фортепьяно, два концерта для фортепьяно). 

Традиции импрессионизма, начатые французскими мастерами, нашли свое продолжение в творчестве композиторов различных национальных школ. Их оригинально развивали М. де Фалья в Испании, А. Казелла и О. Рес-пиги в Италии, С. Скотт и Ф. Дилиус в Англии, К. Шимановский в Польше. Влияние импрессионизма испытали в начале XX в. и некоторые русские композиторы (Н. Н. Черепнин, В. И. Ребиков, С. Н. Василенко). У А. Н. Скрябина самостоятельно сформировавшиеся черты импрессионизма сочетались с пламенным экстазом и бурными волевыми порывами. Самобытно претворенные достижения французского импрессионизма заметны в ранних произведениях И. Ф. Стравинского (балеты «Жар-птица», «Петрушка», опера «Соловей»). 

Джаз (англ. Jazz) — форма музыкального искусства, возникшая в начале XX века в США в результате синтеза африканской и европейской культур и получившая впоследствии повсеместное распространение. Характерными чертами музыкального языка джаза изначально стали импровизация, полиритмия, основанная на синкопированных ритмах, и уникальный комплекс приёмов исполнения ритмической фактуры — свинг. Дальнейшее развитие джаза происходило за счёт освоения джазовыми музыкантами и композиторами новых ритмических и гармонических моделей. 

Важнейшие характеристики джаза — наличие в ритмике, во-первых, регулярной пульсации, так называемого «бита», а во-вторых, отклонений от этой пульсации — «свинга» (от английского — «качание», «раскачка»). Они берут свое начало в традициях африканской музыки. Свинг — одно из выразительных средств джаза. Кроме особой выразительной роли ритма джаз унаследовал и другие черты африканской музыки: трактовку всех инструментов как ударных, ритмических; преобладание разговорных интонаций в пении и подражание разговорной речи при игре на инструментах. Произведения, исполняемые негритянскими музыкантами, часто имели форму чередования очень короткого сольного мотива — зова и хорово-вого или инструментального ответа.

Луи Армстронг / Louis Armstrong 

Джаз — искусство, основанное на импровизации в сочетании с заранее продуманной, но не обязательно записанной в нотах формой композиции. Импровизировать могут одновременно несколько музыкантов, даже если в ансамбле явно слышен солирующий голос. Законченный художественный образ произведения зависит от взаимодействия членов ансамбля между собой и с аудиторией. Для раннего, новоорлеанского, этапа традиционного джаза (примерно до конца 10-х гг. XX в.) характерна коллективная импровизация нескольких, как правило трех, вариантов одной и той же мелодии трубачом (главный голос), кларнетистом и тромбонистом на фоне маршевого аккомпанемента медного баса и ударных. 

В 20-е гг. были найдены основные черты будущих стилей: равномерная пульсация контрабаса и ударных, способствовавшая свингу, виртуозное солирование, манера вокальной импровизации без слов при помощи отдельных слогов («скэт»). Значительное место в репертуаре традиционного джаза занял блюз. Позднее оба этапа раннего джаза — новоорлеанский и последовавший за ним чикагский — объединяются термином «диксиленд». Были предприняты попытки использовать элементы джаза в произведениях крупной формы (так называемый симфоджаз). Наиболее известны балет «Сотворение мира» Д. Мийо, «Рапсодия в блюзовых тонах» Дж. Гершвина, ряд симфо-джазовых сочинений И. Ф. Стравинского. С середины 50-х гг. эксперименты по соединению принципов джаза и современной музыки вновь получили распространение, уже под названием «третье течение», также и в советской музыке («Концерт для оркестра» А. Я. Эшпая, «Концерт для джаза» М. М. Кажлаева, 2-й концерт для фортепьяно с оркестром Р. К. Щедрина, 1-я симфония А. Г. Шнитке). 

В конце 20-х — начале 30-х гг. возникла стройная система, получившая название стиля «свинг» и приобретшая впоследствии значение джазовой классики. Для свинга характерно, во-первых, появление нового типа оркестра — биг-бэнда. С увеличением оркестра пришлось отказаться от коллективной импровизации и перейти к исполнению аранжировок, записанных на ноты. Аранжировка стала одним из первых проявлений композиторского начала в джазе: она ограничивала импровизацию, для которой в партитуре предусматривались свободные окна. 

Биг-бэнд состоит из трех групп инструментов — секций, каждая может звучать как один многоголосный инструмент: секции саксофонов (позднее с кларнетами), «медной» секции (трубы и тромбоны), ритмической секции (фортепьяно, гитара, контрабас, ударные). 

Во-вторых, появилась сольная импровизация, основанная на «квадрате» («хорусе»). «Квадрат» — это одна вариация, равная по продолжительности (числу тактов) теме и исполняемая на фоне того же, что и тема, аккордового сопровождения, к которому импровизатор подстраивает новые мелодические обороты. В 30-е — 40-е гг. наряду с блюзом получила распространение песенная форма из 32 тактов. В-третьих, в свинге широко применяется «рифф» — двух-четырёх тактовая ритмически гибкая реплика. Ее исполняет оркестр, пока импровизирует солист. И наконец, в-четвертых, свингующая четырёхдольная пульсация, в которой четные доли такта каким-либо способом акцентированы. Среди первых джазовых биг-бэндов — оркестры Ф. Хендер-сона, К. Бэйси, Б. Гудмена, Г. Миллера, Д. Эллингтона. Последний уже в 40-е гг. обратился к крупным циклическим формам, основанным на негритянском и латиноамериканском фольклоре, а также к жанру концертной миниатюры. В конце 30-х гг. большинство американских свинговых оркестров (их репертуар почти вытеснил иные виды эстрадно-развлекательной музыки) переключилось на коммерческую музыку. Поэтому в среде любителей и музыкантов джаза даже возникло движение за возрождение более ранних, подлинно джазовых стилей.. Решающую роль в этом движении сыграли небольшие негритянские ансамбли 40-х гг., отбросившие все рассчитанное на внешний эффект: эстрадность, танцевальность, песенность. Тема проигрывалась в унисон и почти не звучала в оригинальном виде (популярные мелодии уступили место «неприглаженным» фразам, позаимствованным из импровизаций на эти же темы), аккомпанемент уже не требовал танцевальной регулярности. 
Этот стиль, открывающий современную эпоху в джазе, получил название «боп» или «бибоп». Эксперименты талантливых музыкантов — Ч. Паркера, Д. Гиллеспи, Т. Монка и других — фактически положили начало развитию джаза как самостоятельного вида искусства, лишь внешне связанного с эстрадно-танцевальным жанром. 

С конца 40-х до середины 60-х гг. современный джаз развивался в основном в двух направлениях. Первое включало стили «кул», т. е. «прохладный», и «вест-коуст». Для них характерно широкое использование опыта классической и современной серьезной музыки (развитые концертные формы, полифония и др.). По одному звучанию даже трудно догадаться, что это звучит джаз-ансамбль. Второе направление включало стили «хардбоп» (т. е. «горячий», «энергичный») и близкий ему «соул джаз» (в переводе с английского «соул» — «душа»), сочетавшие принципы старого бибопа с традициями негритянского фольклора (упрощение форм, гармонии в «соул джазе»), темпераментные ритмы и интонации спиричуэлов. 
Оба этих направления имеют и много общего в стремлении освободиться от деления импровизации на отдельные квадраты, а также освинговать вальсовые и более сложные размеры. 

С начала 60-х гг. большое число музыкантов экспериментирует со спонтанной импровизацией, не ограниченной даже конкретной музыкальной темой (так называемый свободный джаз). Однако еще большее значение получает ладовый принцип импровизации: каждый раз заново выбирается ряд звуков — лад, а не четко различимые квадраты. В поисках таких ладов джаз обращается к музыкальным культурам Азии, Африки, Европы и др. В 70-е гг. в джаз приходят электроинструменты и ритмы молодежной рок-музыки, основанной на более мелком, чем ранее, дроблении такта. Этот стиль получает сначала название «джаз-рок», а позднее «фьюжн», т. е. «сплав». 

Значительными успехами отмечено развитие советского джаза, начало которому было положено В. Парнахом в 1922 г. В довоенный период джаз в нашей стране развивался внутри эстрадных оркестров. В 1929 г. Л. О. Утесов Организовал эстрадный оркестр и назвал свой коллектив «Tea-джаз». Благодаря его сотрудничеству с композитором И. О. Дунаевским возник также песенный джаз (все помнят его по кинофильму «Веселые ребята»). Импровизационный джаз стилей «диксиленд» и «свинг» практиковался в оркестрах А. В. Варламова, Н. Г. Минха, А. Н. Цфасмана и других. С середины 50-х гг. наряду с джазовыми номерами в эстрадных программах, для которых писали музыку В. Н. Людвиковский, Ю. С. Сауль-ский, К. А. Караев, А. П. Петров, Я. А. Френкель и другие композиторы, начинает развиваться джаз в небольших любительских коллективах («Восьмерка ЦДРИ», «Ленинградский диксиленд»). Шефство над любительскими коллективами взяли на себя комсомольские и студенческие организации, которые провели в 60-е гг. несколько музыкальных фестивалей, где получили путевку в жизнь многие видные исполнители. 

В 70-е гг. советский джаз становится профессиональным искусством. Начинается подготовка кадров на эстрадных отделениях музыкальных училищ, издаются учебные пособия, ноты, пластинки. С 1973 г. пианист Л. А. Чижик стал выступать с «вечерами джазовой импровизации». Регулярно выступают у нас в стране и за рубежом ансамбли под руководством И. Бриля, «Арсенал», «Аллегро», «Каданс» (Москва), квинтет Д. С. Голощеки-на (Ленинград), коллективы В. Ганелина и В. Чекасина (Вильнюс), Р. Раубишко (Рига), Л. Винцкевича (Курск), Л. Саарсалу (Таллин), А. Любченко (Днепропетровск), М. Юл-дыбаева (Уфа) и др. Полностью посвящены джазу программы оркестра О. Л. Лундстрема, в значительной мере — коллективов К- А. Орбеляна, А. А. Кролла («Современник»). При всем стилистическом многообразии советского джаза (от диксиленда до экспериментальных течений свободной импровизации) для него характерен синтез принципов джазового исполнительства с ладово-интонационным и ритмическим богатством музыкальных традиций народов СССР. Первые опыты в этом направлении находят продолжение в творчестве многих коллективов и композиторов, работающих в области джаза. 
 

Джаз в современном мире

Сегодняшний мир музыки столь же разнообразен, как климат и география, которые мы познаём благодаря путешествиям. И все же, сегодня мы наблюдаем смешение всё большего числа всемирных культур, постоянно приближающего нас к тому, что в сущности уже становится «всемирной музыкой» (world music). Сегодняшний джаз уже не может не быть под влиянием звуков, проникающих в него практически из любого уголка земного шара. Европейский экспериментализм с классическим подтекстом продолжает влиять на музыку молодых пионеров, таких, как например Кен Вандермарк, фриджазовый авангардист-саксофонист, известный по работе с такими известными современниками, как саксофонисты Мэтс Густафссон, Эван Паркер и Питер Броцманн. К другим молодым музыкантам, более традиционной ориентации, которые продолжают поиски своего собственного тождества, относятся пианисты Джекки Террассон, Бенни Грин и Брэйд Мелдоа , саксофонисты Джошуа Редман и Дэвид Санчес и барабанщики Джефф Уоттс и Билли Стюарт. Старая традиция звучания стремительно продолжается такими художниками, как трубач Уинтон Марсалис, работающий с целой командой помощников, как в собственных маленьких группах, так и в Джаз-Оркестре Центра Линкольна, который он возглавляет. Под его покровительством выросли в больших музыкантов пианисты Маркус Робертс и Эрик Рид, саксофонист Уэс «Warmdaddy» Эндерсон, трубач Маркус Принтуп и вибрафонист Стефан Харрис. Басист Дейв Холланд также является прекрасным открывателем молодых талантов . Среди многих его открытий такие художники, как саксофонист/М-басист Стив Коулмен, саксофонист Стив Уилсон, вибрафонист Стив Нельсон и барабанщик Билли Килсон. К числу других великих наставников молодых талантов относятся также пианист Чик Кориа, и ныне покойные — барабанщик Элвин Джонс и певица Бетти Картер. Потенциальные возможности дальнейшего развития джаза в настоящее время достаточно велики, поскольку пути развития таланта и средства его выражения непредсказуемы, умножаясь поощряемым сегодня объединением усилий различных джазовых жанров. Например, саксофонист Крис Поттер под собственным именем выпускает мэйнстримовый релиз и в то же время участвует в записи с другим великим авнгардистом, барабанщиком Полом Мотианом. Аналогично, другие легенды джаза, относящиеся к различным джазовым мирам могут встречаться под одним баннером, как это было например при совместной записи Элвина Джонса, саксофониста Дьюи Редмана и пианиста Сесила Тэйлора. 

Направления этого вида искусства находятся в постоянном развитии. Каждый стиль подвержен влиянию времени. То, что было актуально десять лет назад, сейчас может восприниматься как классика рок-музыки. Поэтому и звездами становятся все новые и новые группы, не похожие друг на друга. Стили рок-музыки условно можно подразделить на: Оригинальный. Отличительной чертой является характерное только для данного коллектива звучание. Сюда можно отнести металл, панк-рок, поп, арт, психоделический и экспериментальный рок, рок-н-ролл. Соединенный. Это результат слияния разных течений. В качестве примера приведем джаз-, индустриал-, неоклассический рок, рэпкор, фолк-рок, электроник-рок. Перекрестный. Сюда можно отнести все остальные стили. Это альтернативный, акустический, готический, инструментальный рок, а также хард, русский рок, эмо и другие. Каждый стиль делится на разные направления в роке.

HARD-ROCK

 Хард-рок. Дословно: жесткий или тяжелый рок. Понятие настолько всеобъемлющее, что многие не видят разницы между собственно рок-музыкой и этим, одним из ее наиболее массовых и популярных ответвлений. 
Резкости в рок-музыке хватало всегда - первые рок-н-роллы именно поэтому раздражали слушателей, привыкших к обтекаемой, плавной передаче музыкальных идей. Хард-рок, "призрак" которого витал в композициях поп-групп с первой половины 60-х годов, впервые принял относительно четкую форму в музыке таких групп, как "THE M15" и "CREAM" (хотя однозначно определить авторство невозможно: идея действительно носилась в воздухе, элементы хард-рока появились и в музыке "THE BEATLES", "THE ROLLING STONES", "YARDBIRDS"). 
Композиции в стиле "хард-рок" вызывают субъективное ощущение тяжести, достигаемое за счет выделения ритм-секции на передний план, что требует от музыкантов виртуозного владения своими инструментами. В хард-роке, помимо "выпуклости" ритм-секции, все входящие в нее инструменты напрямую связаны с мелодическим лидером - гитаристом, поэтому здесь не может быть обособленной импровизации одного инструмента, а это означает, что в импровизации участвуют все инструменты группы, создавая целостность и монолитность произведения. 
Как самостоятельное направление "хард-рок" выделился в конце 60-х годов, и благодаря тому, что в законченном виде его донес до слушателя выдающийся гитарист Джимми Хендрикс, "хард-рок" с тех пор предполагает исполнение виртуозными инструменталистами, что пошло только на пользу и музыке, и ее поклонникам. К началу 70-х появились группы-исполины, блиставшие не только тяжестью своего "хард-рока", но и исключительным композиторским талантом и исполнительским мастерством: "LED ZEPPELING", "DEEP PURPLE", "BLACK SABBATH", "NAZARETH", "GRAND FUNK RAILROAD" и многие, многие другие, почти 30 лет назад определили законы и рамки хорошего тона хард-рока сегодняшнего дня. 
В заключение можно сказать, что синтез хард-рока с другими направлениями рок-музыки, как 
правило, дает интересные результаты - так появился "тяжелый арт-рок", "хард-фьюжн", "тяжелая психоделия", а также такие стили, как "глиттер-рок", "тяжелый ритм-энд- блюз","хард-кор". 

"HEAVY METAL"

 "Тяжелый металл", или "тяжелые орудия", - так переводится это словосочетание - одно из ответвлений "хард-рока", получившее широкое распространение в начале 80-х годов. 
Так же как и в хард-роке, основы "хэви-метал" были заложены такими исполнителями, как "LED ZEPPELING", "BLACK SABBATH", "GRAND FUNK RAILROAD", "DEEP PURPLE". Выделив из музыки этих групп исключительно мощные гитарные риффы, доведенные до виртуозности соло и "канонадные" ударные, группы "новой волны" английского тяжелого рока такие, как "DIAMOND HEAD", и "IRON MAIDEN", - лишь разработали инструментальную структуру стиля, позже получившую окончательное развитие в музыке представителей так называемого "спид"- и "трэш"-"металла". 
До сих пор существует путаница в определении "хард- рока" и "тяжелого металла". Если в США 
"хэви-метал" - это понятие, объединяющее и "металл", и "хард-рок", то в Англии классификация 
очень близкая к нашей, хотя при сравнении, например, музыки "METALLICA" и "IRON MAIDEN" 
только первую группу - по английским стандартам - можно отнести к "металлу". 
Элемент импровизации в истинном "металле" практически сведен к нулю, точнее - он отсутствует в традиционном смысле этого слова, однако опытные "металлические" группы ("METALLICA", "SLAYER", "MEGADEATH") часто вводят в свои композиции очень сложные изменения ритма, и у неподготовленного слушателя может возникнуть ощущение какофонии, хотя речь идет о ритмической импровизации, по духу очень близкой той, которую исследуют серьезные современные композиторы. 
Выражение "хэви-метал" впервые появилось в романе американского писателя Уильяма Берроуза "Naked Lunch"(1959), где он использует этот термин для описания резкой, непривычной музыки. Широкое распространение термин получил после песни американской группы "STEPPENWOLF" "Born to be wild"(1968), в которой есть слова "heavy metal thunder", то есть "гром тяжелых орудий". 

     Панк-рок (англ. Punk rock) — жанр рок-музыки, возникший в середине 1970-х годов в США и, чуть позже, в Великобритании.
Смыслом, который вкладывали ранние панк-рок группы в свой жанр, было стремление играть, главенствующее над умением играть; благодаря такому определению сформировалась разнородная ранняя американская панк-сцена в диапазоне от легковесных Ramones до сложных и экспериментальных Television. Подобный подход позволил панк-року стать основой целого ряда субкультур: панк, DIY, культуры фэнзинов, позже — straight edge. В 1976—1977 годах панк-рок начинает зарождаться в Великобритании, в более скандальной и политизированной форме; благодаря этому к 1977 году жанр становится одним из самых заметных явлений в рок-музыке Великобритании.

Глэм-рок (англ. Glam rock, от glamorous — «эффектный») — жанр рок-музыки, возникший в Великобритании в самом начале 1970-х гг. и ставший одним из доминирующих жанров первой половины того десятилетия. Для исполнителей глэм-рока были характерны яркий образ, выраженный через театральную эффектность экзотических костюмов, обильное использование макияжа, андрогинный облик. В музыкальном отношении глэм-рок был неоднороден, совмещая рок-н-ролл, хард-рок, арт-рок и эстраду. Элементы стиля глэм-рока оказали значительное влияние на диско, панк и новую волну. Глэм-рок также известен под названием глиттер-рок (англ. glitter rock, «блестящий рок»).

Гаражный рок (англ. garage rock) — жанр рок-музыки, сформировавшийся в США и Канаде в 1960-е годы. Считается основным предтечей панк-рока и важной частью прото-панка, иногда также называется «гаражный панк».Название стиля появилось из-за мест, в которых репетировали эти группы, не имевшие звукозаписывающих студий: гаражи, подвалы, бары и т. п. Также было распространено название фрат-рок (англ. Frat rock).
Наиболее известными представителями первой волны «гаражного рока» стали The Kingsmen, The Wailers, The Sonics, Count Five, The Standells. Звучание этих групп отличалось «сыростью», было более грубым, резким и нестройным, чем это было привычно для рок-музыки того периода. Эти группы привлекали более узкую, радикальную аудиторию, и как правило не добивались коммерческого успеха.

Анатолийский рок (тур. Anadolu rock, англ. Anatolian rock) — жанр, возникший путем слияния турецкой народной музыки и рока. Он появился в середине 1960-х годов, после того, как западные рок-группы Beatles, Rolling Stones, Led Zeppelin, Yes, Status Quo, и Omega стали популярны в Турции. Элементы турецкой народной музыки и философии фольклора оказали влияние на таких певцов как Эркин Корай (Erkin Koray), Джем Караджа (Cem Karaca), Барыш Манчо (Barış Manço), Moğollar (тур. Монголы) — они-то и стали основателями анатолийского рока.

Симфонический рок (англ. Symphonic rock) — стиль рок-музыки, изначально поджанр прогрессивного рока, для которого характерно особое симфоническое звучание, достигаемое, как правило, клавишными инструментами за отсутствием большого числа классических инструментов симфонического оркестра. Сегодня к симфо-року зачастую относят группы, имеющие в своем составе клавишные.

Психоделический рок (англ. Psychedelic Rock) — музыкальный жанр, возникший в середине 60-х годов в Западной Европе и Калифорнии (Сан-Франциско и Лос-Анджелесе). Психоделический рок связан с понятиями «психоделия» и «психоделики» (галлюциногены).
Психоделический рок — сложная, экспрессивная музыка, сильно воздействующая на слушателя. Изначально связанный непосредственно с употреблением психоделиков как слушателями, так и музыкантами, психоделический рок, со временем, стал имитировать действие галлюциногенов. Для этого используется широкий арсенал средств музыкальной выразительности и специальные эффекты при исполнении музыки.
Характерной чертой психоделического рока стали продолжительные сольные партии ведущих инструментов. Живые выступления групп в этом жанре обычно сопровождаются ярким визуальным шоу с использованием света, дыма, видео-инсталляций и других эффектов.

Блюз-рок — гибридный музыкальный жанр, разновидность рок-музыки, объединяющий элементы стилей блюз и рок-н-ролл. Основу блюз-рокового звучания составляют электрогитара, бас-гитара и ударная установка, причём звук электрогитары подвергается искажению «овердрайв», обычно с помощью лампового гитарного усилителя.
Блюз-рок начал своё развитие в середине 1960-х годов в Англии и США как то, что музыкальный историк Пьеро Скаруффи назвал «ритм-н-блюз в исполнении белых европейских музыкантов». Английские группы, такие, как The Who, Yardbirds, Led Zeppelin, Animals, Cream и Rolling Stones, экспериментировали с музыкой ранних американскх блюзменов Хаулина Вульфа, Роберта Джонсона, Джимми Рида, Мадди Уотерса и других.
Для блюз-рока характерно наличие блюзовой импровизации, с активным использованием пентатоники, применение 12-ти тактовой блюзовой гармонии, ритмического рисунка «буги», акцентирование электрогитарного звука и особенностей техники, а также зачастую основанное на риффах звучание, более тяжелое, чем в традиционном чикагском блюзе. Блюз-рок часто играется с более быстрым темпом, что также отличает этот жанр от блюза

Фолк-рок — музыкальный жанр, сочетающий элементы фольклорной и рок-музыки. Вероятно первой фолк-рок песней была американская народная «House of the Rising Sun», исполненная британской рок-группой «The Animals» в 1964 году.Музыка «The Beatles» оказывает сильное влияние на калифорнийскую группу «The Byrds», которая записывает электрическую версию «Mr Tambourine Man» Боба Дилана в 1965 году и основывает американское фолк-рок движение.

Кантри-рок (англ. Country rock) — музыкальный жанр, объединяющий рок и кантри. Музыка кантри всегда была частью рок-н-ролла, с тех пор, как Elvis Presley выступил на "Grand Ole Opry" в 1955. Он исполнял ритмичную смесь кантри и ритм-энд-блюза, в наше время её называют рокабилли — это ранняя форма рок-н-ролла с сильным влиянием кантри.

Сатерн-рок (англ. Southern rock, «южный рок») — поджанр рок-музыки. возникший на юге США, был популярен в 1970-х. Следует отметить, что истоки рок-музыки лежат, в основном, в музыке исполнителей юга США, в частности, Элвис Пресли, Литтл Ричард, Бо Диддли, Джерри Ли Льюис и многие другие рок-н-ролл-исполнители были родом с юга США. Gregg Allman, один из братьев The Allman Brothers Band, высказался по этому поводу в фильме «The History of Rock 'n' Roll». Он сказал, что термин «южный рок» является излишним, так как это все равно, что сказать «роковый рок». Тем не менее известно, что сатерн-рок развился из тяжелого блюз-рока конца 1960-х, испытав влияния кантри-музыки Жанр характеризуется близостью к хард-року, он сфокусирован на электрогитаре и насыщен длинными гитарными пассажами

Арт-рок (англ. art rock) — это термин, обозначающий направление рок-музыки, которое характеризуется мелодическими, гармоническими или ритмическими экспериментами, а также большим количеством художественных образов в текстах песен. Арт-рок зачастую идёт дальше форм и жанров современной популярной музыки в направлении веяний джаза, академической, этнической музыки или экспериментального авангарда.
Строго говоря, термин «арт-рок» является синонимом термина прогрессивный рок, но среди меломанов два этих термина, как правило, применяются в разных случаях. Наиболее принятым отличием арт-рока от прогрессивного рока считается то, что арт-рок более мелодичный и менее жесткий (так, к арт-року можно отнести Camel, а к прогрессиву — Pink Floyd).

Краут-рок (нем. Krautrock) — направление экспериментальной и психоделической рок-музыки, возникшее в конце 1960-х — начале 1970-х годов в Германии.
Визитной карточкой стиля стало смешение рок-музыки, исполняемой на стандартных инструментах рок-группы (электрогитара, бас-гитара, ударные) со структурами электронной музыки, а также электронной обработкой звука. Среди прочего, в музыке нередко присутствует пульсирующий ритм, т.н. моторик (нем. Motorik), яркими примерами которого являются композиция Autobahn группы Kraftwerk и альбомы группы Neu!. Таким образом, краут-рок дал импульс для развития электронной музыки и эмбиента. Помимо этого, в краут-роке делается упор на инструментальную музыку, импровизации и экспериментализм. Корни краут-рока уходят частично в немецкий электронный авангард 1950-х годов и творчество композитора Карлхайнца Штокхаузена (у которого учился музыке Holger Czukay из группы Can).

Спейс-рок (англ. Space rock) — музыкальный жанр. Первоначально так называли музыку британских прогрессивных и психоделических групп 1970-х, таких как Hawkwind и Pink Floyd. Для этой музыки были характерны использование синтезаторов, научно-фантастические тексты, продолжительные, медленные инструментальные мелодии.
Позднее так стали называть музыку британских альтернативных групп 1980-х, более мелодичную по сравнению с ранним спейс-роком 1970-х. Спейс-рок также оказал большое влияние на такой альтернативный жанр, как шугейзинг.

Инди-рок (англ. Indie rock) — жанр альтернативного рока, существующий преимущественно в андеграунде, в независимом информационно-коммерческом пространстве. Берет своё название от английского слова «независимый» (англ. independent). Это не своеобразный отдельный стиль музыки, но обобщающий термин для широкого диапазона музыкантов и стилей, объединённых причастностью к андерграунду, контркультуре, и имеющих некоторое отношение к рок-музыке.

Математический рок (реже — Мат-рок, англ. Math rock) — направление рок-музыки, возникшее в конце 1980-х годов в США. Математический рок характеризуется сложной, нетипичной ритмической структурой и динамикой, резкими, часто негармоничными риффами.

Инструментальный рок — жанр рок-музыки, в котором преобладает музыка, а не вокал. Был наиболее популярен в 1950-1960-ых годах. Примеры инструментального рока можно найти практически в любом жанре.

Пост-рок (англ. Post-rock) — жанр рок-музыки, для которого характерно использование инструментов, связанных с рок-музыкой, а также ритма, мелодий, тембра и последовательности аккордов, которые не характерны для традиционного рока. Представители жанра в основном играют инструментальную музыку. Музыка пост-рока объединяет в себе элементы разнообразных музыкальных жанров, таких как эмбиент, джаз, электронная музыка, рок.
Как и многие другие музыкальные термины, «пост-рок» описывает самые разнообразные варианты звучания. Например, группы Don Caballero, Tortoise и Toe классифицируются как пост-рок, хотя между ними мало общего, кроме того факта, что основная роль уделяется барабанам и гитарам.

Альтернати́вный рок (англ. Alternative rock) — термин в современной музыке, под которым понимают различные стили рок-музыки, противопоставляющие себя традиционным. Термин появился в 1980-е гг. и охватывал множество стилей, берущих своё начало в панк-роке, постпанке и др. В настоящее время альтернативный рок разделяют на две стадии: первая — это группы 1980-х гг. с широким диапазоном музыкальной самоидентификации; вторая — группы 1990-х гг., получившие после коммерческого успеха американского гранжа в 1991—1993 гг. такую же поддержку крупных лейблов и раскрутку, как и традиционные эстрадные и рок-коллективы (сам альтернативный рок в те годы стал ассоциироваться в основном с гранжем и постгранжевыми группами, сам, таким образом, став стилем), при этом более бескомпромиссные ансамбли ушли в андерграунд.
Термин «альтернативный рок» наиболее употребителен в США. В России и Великобритании чаще используют названия «альтернативная музыка» и «альтернатива». Также в Великобритании эту музыку называют словом «инди».

Готик-рок (англ. gothic rock) — музыкальный жанр, являющийся поджанром альтернативного рока. Первые музыкальные коллективы, играющие в этом жанре были тесно связаны с английским панк-роком и пост-панком. В начале 1980-х жанр стал отдельным направлением. В музыке преобладают мрачные темы и интеллектуальные направления, такие как романтизм, нигилизм, а также готическое направление в искусстве Нового времени. Лучшими примерами групп, исполнявших готик-рок, могут служить Bauhaus, The Cure, Siouxsie & the Banshees, The Sisters of Mercy и The Mission. Готик-рок стал основой для готической субкультуры, которая впоследствии существенно расширилась.

Нойз-рок (англ. Noise rock) — музыкальный жанр, возникший в 1980-е годы, как экспериментальное ответвление панк-рока. Нойз-рок образовался в результате смешивания панк-рока с характерными для раннего индастриала и нойза атональным шумом и нетрадиционным строением песен. Примером нойз-рока могут послужить ранние альбомы Sonic Youth.

Индастриал (от англ. industrial — «промышленный») — музыкальное направление, отличающееся выраженной экспериментальностью и особой эстетикой механических и других промышленных звуков.

Трип-рок — музыкальный жанр.Жанр представляет собой смесь трип-хопа и рок жанров, преимущественно альтернативного рока или инди-рока, так же встречаются группы смешивающие трип-хоп с психоделик- или прогрессив-роком, иногда даже с пост-роком. Термин трип-рок так же используется голландской группой The Gathering для описания музыки группы с 1999 года, но скорее в качестве «trippy» музыки с сильной эмоционально-меланхоличной составляющей, чем под влиянием трип-хопа.

Данный жанр наиболее распространен в современном мире. Отсюда и его название: поп - популярная. В нем часто используются различные эффекты, способствующие созданию направления песни, но очень часто одни произведения почти в точности повторяют другие. Особую оригинальность и нетривиальность в данном жанре найти очень сложно, многим текстам свойственны стилистические ошибки и примитивизм. Всего выделяют три основных направления в поп-музыке.

1. Диско. Этот "подвид" отличается ритмичностью и преобладанием ударных инструментов. Также характерно обилие спецэффектов и не слишком-то глубоких по смыслу текстов.

Диско почти одновременно разрабатывалось в США и Европе. Для американского диско характерно звучание, близкое к фанку и соулу. Европейское диско тесно переплеталось с традиционной эстрадой и общими тенденциями поп-музыки.

В 70-х диско имел несколько подстилей, в том числе «диско-фьюжн», «мюнхенское звучание» и т. д., а после 1981 года, благодаря распространению электронных музыкальных инструментов, — такие подстили как EuroDisco, ItaloDisco и Hi-NRG.

Истоки

В 1972 году начали появляться одни из первых композиций, написанные разными композиторами, которые можно было бы отнести к категории «диско». Примеры: «Papa Was A Rolling Stone» группы Temptations; музыкальная тема к фильму Шафт, в исполнении Айзека Хейза.В США первыми хитами стиля считаются вышедшие в 1974 «Rock The Boat» Корпорации Хьюз (американский хит № 1 года), «Rock You Baby» Джорджа Маккрея и «Love’s Theme» Лав Анлимитед Оркестра (тема из к/ф «Жара»). В Европе одним из первых диско-хитов стала песня «J’attendrai» в исполнении Далиды (1975). Однако только благодаря германской группе «Silver Convention», стиль «диско» начал своё победоносное шествие по европейским танцполам.

Среди многочисленных «диско»-коллективов были и интересные продюсерские проекты, к созданию которых были причастны композиторы ведущих музыкальных лейблов, и настоящие самородки, начинавшие свой путь к успеху от никому не известных школьных ансамблей. К числу первых относятся такие группы как «Boney M.», «A la carte» и «Dschinghis Khan», среди вторых были «Eruption», Аманда Лир, а также «поп-диско»-группы «Pussycat» и «Neoton Familia» (смотри стиль «поп-диско»).

Общая формула диско-композиции выглядит следующим образом: танцевальный ритм в темпе около 120—140 ударов в минуту и «живые» мелодии, часто сильно оркестрованные. Но из этого правила есть и много исключений, позволяющих говорить о существовании различных ветвей жанра в эпоху его расцвета («эра классического диско» 1975-81 годов). Например, «мягкое диско» (mellow disco) отличалось более медленным темпом 95-110 ударов – это такие хиты как «Fly, Robin, Fly» от Silver Convention и "Love to Love You Baby" Донны Саммер. Электро-диско могло быть менее оркестрованным (отсутствие «скрипок» в звучании) – сюда можно отнести некогда популярные на танцполах «Dancer» Джино Соччио, «Beat Of The Night» от Fever и «You Make Me Feel (Mighty Real)» Sylvester. Также в течение 1977-1979 годов (на пике общемировой популярности жанра), вышло немало композиций, представлявших собой «сплав» диско с другими стилями: с классической музыкой («A Fifth of Beethoven» Уолтера Мерфи), с роком («Shine A Little Love» Илэктрик Лайт Оркестра), с джазом («Turn the Music Up» от Players Association), с этникой («Disco Bouzouki» от Disco Bouzouki Band).

Развитие

Середина 80-х принесла новый интерес к жанру диско. Поскольку основные музыканты, работавшие в этом направлении, находились в Европе, новую волну диско стали именовать EuroDisco. Благодаря использованию электронных музыкальных инструментов в рамках этого жанра возникло несколько новых стилей танцевальной музыки, основными из которых были Hi-NRG и ItaloDisco.

Яркими представителями Hi-NRG можно назвать такие музыкальные группы и исполнители как Modern Talking, C.C.Catch, Bad Boys Blue, Fancy, Silent Circle, Joy, London Boys, Patrick Cowley.

К стилю ItaloDisco, возникшему на пару лет позднее Hi-NRG, относятся такие итальянские исполнители как Gazebo, Den Harrow, Ken Lazlo, Mike Mareen, Radiorama, Mr.Zivago, Sabrina, Scotch.

В развитии жанра диско в США одну из ведущих ролей сыграла группа Bee Gees. В 1975 году вышел их диско-хит "Jive Talkin", в корне изменивший все представления о диско у американцев. Участники группы в момент стали "королями диско", им подражали, им завидовали.

Упадок

В начале 90-х в танцевальной музыке сформировались новые направления, окончательно заменившие собой диско. Это, в первую очередь, EuroDance.

Известные исполнители жанра диско

Аманда Лир, Глория Гейнор, Далида, Донна Саммер, ABBA, Arabesque, Bee Gees. Belle Epoque,

Boney M, Chic, Chilly, Dschinghis Khan, Eruption, KC and the Sunshine Band, Sister Sledge, Stars On 45, Scotch, Дайана Росс, Ди Ди Джексон, Sylvester, Village People.

2. Транс. Электронная музыка. Нередко преобладают духовые и клавишные инструменты. Общее впечатление создается при помощи эдакой "космической", "неземной" музыки, заставляющей забыть о мире и его заботах, полностью погрузиться в произведение. Текст, как правило, отсутствует.

3. Хаус. Это направление также относится к электронике, обладает танцевальным, хотя и не слишком быстрым, ритмом. Основной инструмент - синтезатор, эффекты широко применимы, основные музыкальные отрывки часто повторяются. В общем-то, достаточно спокойный вид.

Рок-н-ролл (англ. rock & roll или rock 'n' roll от Rock and roll — русск. качайся и катись[1]) — жанр популярной музыки, родившийся в 1950-х годах в США и явившийся ранней стадией развития рок-музыки. Также танец, исполняемый под музыку рок-н-ролла и музыкальная композиция в стиле рок-н-ролла. В англоязычных странах термин «рок-н-ролл» нередко применяют при общем обозначении рок-музыки, под который, таким образом, попадают и гранж, и рокабилли и т. п. В данной статье будет рассматриваться именно первое определение.

Характеристика

Для рок-н-ролла характерен размер 4/4 (четыре четверти), относительно быстрый темп (140-180 уд/мин), обильное использование молодёжного сленга (нередко афроамериканского), раскованность музыкального исполнения. Традиционными музыкальными инструментами являются электрогитара, бас, ударные и пианино.

История

Рок-н-ролл явился результатом синтеза различных стилей американской музыки. Почти одновременно, независимо друг от друга, неизвестные никому белые и черные музыканты американского Юга стали смешивать ритм-энд-блюз, буги-вуги, кантри и госпел, добиваясь неведомого до того звучания. Билл Хейли вовсю использовал негритянский сленг в начале 1950-х гг. в своих ритмичных песнях, построенных на кантри с примесью джаза и буги-вуги. Его два сингла «Rock Around The Clock» (записан в апреле 1954 года) и «Shake Rattle And Roll» сыграли решающую роль в массовой популярности рок-н-ролла, до того бывшего лишь музыкальным экспериментом, известном лишь слушателям местных радиостанций. Несмотря на то, что нельзя чётко обозначить временное начало данного стиля, специалисты часто отдают первенство первого рок-н-ролла песне «Rocket 88», записанной в исполнении Айка Тёрнера в студии Сэма Филлипса в 1951 году.

Считается, что термин «рок-н-ролл» в его современном понимании был введён в обиход Аланом Фридом, энергичным диск-жокеем (DJ) из Кливленда, много сделавшем для популяризации новой музыки, которая в то время встречала достаточно широкий отпор со стороны консервативного общества США. Рок-н-ролл явился первым стилем в современной популярной музыке, развитым и играемым наравне как белыми, так и негритянскими исполнителями, что в итоге привело частично к снижению расовой накалённости тех лет (при том, что этот жанр был сугубо аполитичным). Помимо песен, изначально написанных в новом стиле, ранние исполнители рок-н-ролла также весьма обильно исполняли старые блюзы, кантри, джазовые номера, народные песни — придавая им однако стилистику рок-н-ролльного звучания.

Классическое звучание рок-н-ролла было сформировано в 1954—55 гг., когда Билл Хейли, Элвис Пресли, Чак Берри, Литл Ричард и Фэтс Домино записывали песни, заложившие основу рок-н-ролла. Каждый из этих уникальных музыкантов привносил нечто особенное в новую музыку: Элвис Пресли смело экспериментировал с кантри и блюзом; Фэтс Домино наконец-то доказал, что его новоорлеанское пианинное буги-вуги и было рок-н-роллом; ураганный ритм и неистовые вопли пианиста Литла Ричарда стали квинтэссенцией бунтарского характера рока, а гитарные аккорды и остроумные тексты Чака Берри стали примером для бесчисленных подражаний. Олицетворением рок-н-ролла всё же до сих пор является Элвис Пресли, наречённый «королём рок-н-ролла» и оказавший огромное музыкальное и стилистическое влияние на молодое поколение не только Америки, но всего мира.

После невиданного коммерческого успеха Пресли, рок-н-ролл мгновенно стал объектом интереса кинематографа, а также крупнейших лейблов, которые старались переманить к себе начинающих талантливых исполнителей из маленьких студий. В 1956—57 гг. рок-н-ролл пополнился новыми звёздами — Карл Перкинс, Джерри Ли Льюис, Бадди Холли, Эдди Кокран — привнёсшими новаторские приёмы игры и оказавшие ещё большее влияние на следующее поколение музыкантов. Особое место в истории инструментального рок-н-ролла занял Линк Рей, чья композиция «Rumble» оказала огромное влияние на развитие последующей гитарной музыки. К концу 1950-х пластинки в стиле рок-н-ролла были одними из самых продаваемых в музыкальной индустрии США.

Развитие рок-н-ролла было стремительным, однако он также довольно быстро оказался на грани самоисчерпания: Литл Ричард оставил поп-музыку уже в 1957 году, два года спустя после своего первого успеха; Элвис Пресли был призван в армию на два года и по возвращении в 1960 году был больше занят кинокарьерой; Бадди Холли, Ричи Валенс и Эдди Кокран погибли в 1959—60 гг.; Чак Берри был приговорён к тюремному заключению. Другие певцы стали осваивать посторонние стили (кантри, ритм-энд-блюз и др.). Параллельно существовало множество коммерчески успешных исполнителей, старательно отшлифовывавших рок-н-ролл (особенно в жанре ду-уап), однако мало способствовавших музыкальному развитию. К началу 1960-х гг. рок-н-ролл оказался на пути тупикового самоповторения, и от конечного угасания его не спасали ни модный твист (Чабби Чеккер), ни калифорнийский сёрф-рок The Beach Boys, несмотря на очевидное стремление последних обновить стиль. Свежие идеи, вдохнувшие в рок-н-ролл новую жизнь, были принесены из Старого Света «британским вторжением» (The Beatles) середины 1960-х гг. Почти все рок-н-ролльные хиты 50-х гг. (особенно Чака Берри и Литла Ричарда) были заново перепеты британскими группами. Тогда же начинает использоваться общий термин — «рок».

Рок-н-ролл в Советском Союзе и России

Американский рок-н-ролл проник в СССР ещё в середине 1950-х гг., хотя его советские слушатели составляли весьма узкую группу людей. Первые, весьма малочисленные, рок-н-ролльные исполнители в СССР, игравшие, как правило, англоязычные хиты, появились в начале 1960-х гг. в Прибалтике, Москве и Ленинграде. Их музыка была достаточно любительского характера, и в скором времени в их репертуаре собственно рок-н-ролл был смещён «британским вторжением» (песни The Beatles, The Rolling Stones и т. п.). На официальном уровне рок-н-ролл игнорировался, хотя нередко был предметом антизападной пропаганды. Парадоксальным образом, твист оказался вполне приемлемым и популярным жанром.

На русском языке рок-н-ролл, в его традиционном понимании (если не считать твисты М. Магомаева, Т. Миансаровой и др.), стали играть с середины 1970-х гг. (одновременно с очередным западным возрождением стиля). Самыми известными группами этого направления в то время были Зоопарк, Секрет, Браво, и позднее многочисленные клубные коллективы, играющие рокабилли (Мистер Твистер).